À procura do belo... na música clássica!: junho 2026

quarta-feira, 10 de junho de 2026

91. Gershwin: concerto p/ piano |

A resistência ao sorriso é inútil. Não é só música — é audácia que apetece ouvir outra vez (e isso resolve metade dos problemas da história da música).

Aos dias de festa que assinalam o passado e marcam o presente.

Para que possam ser ensinados aos que chegarem amanhã.

Se a Rhapsody in Blue abriu a porta do salão e Um Americano em Paris passeou com elegância pela cidade-luz, então o Concerto para piano, em fá maior (1925) de George Gershwin é, sem dúvida, o momento em que o compositor se senta à mesa principal, não como convidado exótico, mas como anfitrião seguro de si, de colete desapertado e sorriso cúmplice, pronto a servir jazz na sua best china (vulgo porcelana fina, mas que neste caso quer dizer um Steinway & Sons, de cauda larga).

Escrito apenas um ano após o estrondoso sucesso da Rhapsody in Blue, este concerto não nasceria de uma súbita iluminação divina nem de um novo susto jornalístico, mas antes de uma expectativa perfeitamente palpável, encomendada pelo maestro Walter Damrosch: depois de demonstrar ao mundo que sabia misturar o jazz com o verniz da sala de concertos, Gershwin teria agora de provar que o conseguia fazer… sozinho. Sem a “rede de segurança” de Ferde Grofé, desta vez a orquestração seria inteiramente sua, servindo de primeiro verdadeiro teste à sua maturidade como compositor “sério”. E, como quem já conhece o truque - mas ainda finge surpreender-se com ele (a querida IA propõe uma "pequena pausa, mais swing", e eu concordo), George aceitaria o desafio com a leveza de quem improvisa uma anedota num jantar formal… e termina com uma gargalhada geral: “Pronto, pronto... agora é que eu vou mesmo fazer um concerto à séria… só que à minha maneira.” (talvez querendo respeitar a tradição… mas só o suficiente para não ser expulso da mesa dos adultos, a tal da “porcelana fina”).

A estreia teria lugar na matinée da tarde de 3 de Dezembro de 1925, no Carnegie Hall, com a Orquestra Sinfónica de Nova Iorque dirigida por Walter Damrosch e com o próprio Gershwin ao piano (posição que, convenhamos, lhe assentava melhor do que qualquer descrição crítica poderia sugerir). Damrosch, esse mesmo advogado da respeitabilidade musical norte-americana, terá afirmado que Gershwin “não era apenas um compositor popular, mas um compositor sério que falava a linguagem do seu tempo”. Traduzindo do diplomático para o gemba (permitam-me a expressão de um profissional das ciências exactas): o rapaz do Brooklyn tinha passado no exame.

Ao contrário da Rhapsody in Blue (aquela entrada triunfal... ou melhor, aquele tropeção no tapete transformado num número de magia circense, como só os tocados pelo divino conseguem), este concerto seguiria a tradicional estrutura em três andamentos, como que a dizer: “Sim, eu também sei jogar pelas regras. Mas deixem-me temperá-las à maneira do East New York.” E temperou (vulgo, sincopou) mesmo.

O primeiro andamento, Allegro [I], chega-nos com um golpe seco de tímpanos (nada de introduções tímidas, Gershwin, irreverente, entra como quem bate à porta… já dentro de casa). O piano responde com energia quase percussiva, cruzando ritmos sincopados com passagens de um lirismo inesperado, como se dois mundos disputassem educadamente o mesmo espaço. Há aqui ecos evidentes do jazz urbano, mas também uma construção formal sólida, ora musculada, ora emotiva (aquela melodia aos 6:26...), que demonstra disciplina por detrás da espontaneidade. É o Gershwin compositor a mostrar que o Gershwin entertainer não está sozinho.

No segundo andamento, Adagio – Andante con moto [II], a atmosfera muda como uma rua que passa do bulício ao murmúrio. Um solo de trompete com surdina, quase uma canção nocturna (Bebés...), instala um clima íntimo (...ou bebés.), vagamente melancólico, que nos faz recordar aqueles bares onde o fumo desenha espirais lentas e o tempo parece suspenso. A luz baixa, o piano entra com delicadeza, conversando mais do que impondo, e o resultado é uma das páginas mais líricas de Gershwin. Aqui, a tal “joie de vivre” do Allegro (que lembra aquela vivida ao som das buzinas e meio perdido em Paris... mas mantendo sempre o charme) dá lugar a algo mais introspectivo: talvez saudade, talvez contemplação… talvez apenas a consciência de que até o optimismo precisa de respirar. Começamos a pensar na vida sem sabermos bem porquê, mas sem nunca perdermos completamente o sorriso também, e se isso não é de génio, então eu não sei o que será.

Contudo, Gershwin nunca fica sossegado por muito tempo, e o terceiro andamento, Allegro agitato [III], regressa ao terreno da exuberância com uma vitalidade quase contagiante. É dança, é corrida, é celebração, é tudo ao mesmo tempo. Os temas reaparecem, cruzam-se, aceleram, como se Nova Iorque inteira tivesse decidido caber numa orquestra. O piano, longe de ser mero solista, torna-se motor rítmico e protagonista teatral, conduzindo a obra a um final vibrante que não pede desculpa por ser espectacular.

Curiosamente, este concerto marca também um momento de afirmação cultural: ao contrário de muitos compositores europeus que absorviam influências populares para as refinar, Gershwin fazia o caminho inverso: levava o popular diretamente para o palco, sem pedir licença, mas com a elegância suficiente para que ninguém se atrevesse a expulsá-lo.

Recepção? Entusiástica, claro, mas não unânime, até porque nenhuma estreia verdadeiramente relevante o é. Houve, naturalmente, os suspeitos do costume: os que acharam demasiado jazzística para ser clássica, os que acharam demasiado clássica para ser jazz, e os que provavelmente não gostavam de nada antes das 14h (um problema delicioso, diga-se). Mas o público… esse percebeu. E, tal como acontecera um ano antes, saiu da sala com a sensação de ter assistido a algo novo, ainda a ganhar nome.

Hoje, o Concerto em Fá permanece como uma das grandes obras do repertório pianístico americano, não apenas pela sua energia ou pela sua beleza melódica, mas porque captura, talvez melhor do que qualquer outra peça de Gershwin, esse ponto de equilíbrio raro entre espontaneidade e construção, entre rua e palco, entre sorriso e estrutura.

E se voltarmos àquela matinée de 1925, com críticos, maestros e curiosos reunidos numa sala cheia de expectativas… não será difícil adivinhar onde pousa o olhar. Não é apenas no piano. É naquele jovem que parece divertir-se tanto quanto nos diverte.